El mundo visible mejorado por el capricho

 

"España, como todos los países de personalidad y sabor extraordinarios, tiene la suerte o la desgracia de ser interpretada, enriqueciendo con su verdad manantial o  disminuyéndosela de una manera pintoresca."

 

¿Cuáles podrían ser los límites de la cordura? Si Werther no pudo con todo aquello que sentía, sucumbió hasta el colapso para acabar siendo el protagonista más desdichado de todo el siglo XVIII, qué podemos esperar de la pintura.

Francisco José de Goya y Lucientes, nacido bajo los cielos de Zaragoza un 30 de marzo de 1746, fue un genio y rupturista del pincel.

Aquello que creemos que todo es un impulso creativo que nace en el capricho con Goya fue una novedad, motivo por el cual cierta serie de su obra se llama "Los Caprichos", bocetos en grabado que tienen que ver con representar lo imaginario.

Trasladémonos al verano de 1816 en Villa Diodati, una mansión a orillas del Lago Ginebra en Suiza, fue justamente ahí donde se encontraban Mary Shelley, John Polidori, Lord Byron y Percy Byshee Shelley, inventando un mundo de monstruos que fuese capaz de expresar lo trascendental, lo que está más allá de la vida, la muerte y más allá de la capacidad de la imaginación y de los sueños. Goya apela a estas construcciones que de alguna manera están establecidas dentro del folclor de las brujas, o sea, la inquisición en el siglo XVIII en España, pero ¿qué era la inquisición? en términos simples era la persecución del libre pensamiento que la contrarreforma se inventó para deponer las armas del liberalismo, o sea, las acciones de los hombres del renacimiento. Por otra parte, la inquisición francesa intenta establecer el orden, resultado de la guerra civil a partir del poder de la iglesia que perseguía el libre pensamiento. Entonces, ¿cuál era la excusa? la brujería, la superstición y un montón de elementos que iban en contra de las normas de la iglesia, por lo tanto, ayudaban a este tribunal religioso para que se inspirara en ese universo demoniaco, diabólico y ligado a la locura que de alguna manera es donde Goya construye sus caprichos, no solo los que tienen aquelarres, personajes del bajo mundo o gente con cabeza de burro, es decir, seres completamente imaginarios. También, están los Desastres de la Guerra que son los relatos de la crueldad de ésta, no son observados en el mismo lugar donde sucedieron los acontecimientos sino que son completamente imaginados. Vemos gente fusilando, personas mutiladas, es decir, apela a la imaginación para construir una nueva realidad y aquí hay algo que tiene mucho que ver con el espíritu romántico, pero, ¿qué dice el romanticismo? no hablamos de aquel implantado por Nietzsche que habla de la emoción o las pasiones sino de aquel movimiento que plantea que en la naturaleza, o sea, en el mundo experimental hay cosas pintorescas, y ¿qué es lo pintoresco?  para un tipo de pintura que pinta lo que ve, lo pintoresco es lo que es digno de ser pintado, meritorio de una pintura. Sin embargo, eso queda hasta ahí porque aquello ya no es suficiente, ahora la pintura tiene que aspirar a algo más, ya que, los recursos de pintar lo que vemos ya los tenemos. Entonces, ¿qué hay más allá de lo que vemos? porque indudablemente algo ha de haber y ¿qué dice el romanticismo respecto a esto? es bastante claro, dice que el pintor debe buscar lo sublime, aquello que está por encima de lo visible y de la naturaleza, pero ¿qué es lo sublime para el romanticismo? la naturaleza, el mundo visible mejorado por el arte.

¿Qué hará un pintor romántico? ¿Pintará apagado? Obviamente no, va a pintar explotando, intensificando y utilizando todos los recursos para hacer un paisaje. ¿Qué paisaje de la tierra puede ser más sublime que cualquier otro? si ponemos de ejemplo el Génesis, sabemos que va a pintar esas escenas de la tierra revolviéndose, el magma, la lava bañándolo todo, la creación del universo, es decir, va a buscar lo visible en el punto donde es sublime y todo esto ¿dónde lo encuentra Goya? en los límites de la imaginación, por ejemplo, un cura volando

Miren como aparece el cura volando con una capa, descolocando lo que racionalmente esperaríamos de la escena, ni que decir de la sutileza, espontaneidad y abstracción del pintor en la utilización de elementos plásticos completamente autónomos. 

Si observamos la Escena de Guerra

Veremos a ese gigante en el fondo que por perspectiva atmosférica,  desaturación y falta de descripcion de la figura que mide seis o siete veces más que los demás, nos preguntaremos si es un gigante o si es el señor de los anillos, pero, la pintura se refiere a la guerra civil española y ese personaje puede ser el monstruo de la guerra que esta invadiendo y amenazándolo todo. Esa exploración del mundo de lo imaginario es el acceso de lo sublime. Francisco es un inventor de las escenas que describe y no solo de los relatos, sino que crea un lenguaje nuevo completamente desprovisto del dibujo liberando el color, la pincelada y sujetándola a las emociones.

Goya es preexpresionista, porque distorsiona y rompe la naturaleza de lo visible a partir de lo que siente y lo que ve. Pienso en Van Gogh o Munch, quienes deforman todo lo que ven, no por nada Monet descubrió lo que era Goya cuando llegó a Madrid, España. Al volver a su Francia de alguna manera inventa el impresionismo porque dice "a ver me comí la cabeza con este tipo" porque Francisco era un adelantado de su época. El ver esas escenas de flagelo cristiano del incendio de un oficio, es decir, encontrar el momento donde la vida coquetea con la muerte, la salud con la enfermedad, la luz con la sombra, es encontrarnos con el umbral en donde reside lo sublime. 

Si uno piensa en cual es la mayor expresión de la literatura romántica, se nos viene automáticamente Frankenstein a la mente, porque pensamos en la construcción de un monstruo que devuelve una imagen monstruosa del ser humano o en Edgar Allan Poe, eso de enamorarse de un fantasma ¿en dónde uno puede encontrar el amor mas puro y mas sublime? en el amor de un luto, de un pasado o un recuerdo. Habran leído alguna vez El Cuervo, que no es mas que un memento mori, un recordatorio de que todos vamos a morir y el que cruza el umbral de la muerte ya no vuelve, nunca mas. Fíjense en lo romántico, ¿en dónde busca lo sublime? en lo extremo, y bueno Goya es un total extremo.

Si vamos al Museo del Prado a la sala de Las Pinturas Negras, veremos la expresión más cabal del uso de la imaginación prexpresionista de la pintura previa al siglo XIV, luego en la generación de Gauguin, Van Gogh, Albert, podemos ver inicios del expresionismo y en los umbrales del siglo XX con Munch. Sin embargo, como movimiento y propuesta establecida recién lo veremos en Alemania con el grupo Die Brüke "El Puente", en el año 1909, son Kirchner y Rottluff quienes vienen a decir que la emoción tiene que sacrificar la descripción y deformarla de manera primitiva y salvaje, pero esto viene muy previamente de Goya. Para mí, como exploradora del abanico de posibilidades en el arte, estos son elementos que profundamente me conmueven.

Bibliografía

• Cadena SER. 2024. “‘Los Caprichos’, los grabados del Goya más íntimo y reflexivo, se exhiben en Huesca.” Cadena SER, 18 de octubre de 2024. https://cadenaser.com/aragon/2024/10/18/los-caprichos-los-grabados-del-goya-mas-intimo-y-reflexivo-se-exhiben-en-huesca-radio-huesca/.

• Historia Arte. 2025. “Francisco de Goya.” Historia Arte (HA!). https://historia-arte.com/artistas/francisco-de-goya.

• Wikipedia. 2025. “Francisco de Goya.” Última modificación el 27 de febrero de 2025. https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya.

• Apreciart. 2025. “El impacto de Francisco de Goya en el arte moderno.” Apreciart, 12 de febrero de 2025. https://apreciart.pe/articulos/el-impacto-de-francisco-de-goya-en-el-arte-moderno/.

Bouguereau en Buenos Aires

Bouguereau - Autorretrato, 1879

Dentro del mundo artístico, la academia siempre ha tomado gran puesta en escena, sin embargo, la francesa fue la más estricta y poderosa en la historia del arte occidental. Estricta porque tenía un canon que estaba basado en el Gran Estilo de los antiguos, también en el renacimiento como Miguel Ángel, Rafael, Tiziano y Leonardo. Conservar la practica y el oficio de esos artistas conectados con el pasado clásico era lo que quería perpetuar la academia. Para aquello tenían que centrarse en el canon y adecuarse a las reglas en las que tenían que adaptarse como artistas para comenzar cualquier obra. Si nos preguntaramos cuál era el canon del renacimiento llegaríamos a la simple respuesta de que era el clásico, el que teorizan por primera vez los alemanes y profundiza Joaquin Winckelmann quien decía que lo que es bello es bueno y lo que es feo es malo y al revés también. Lo que es bello, proporcionado, armónico, delimitato, el orden, la razón apolínea, bien ejecutado y construido en la pintura según la tradición de los grandes maestros, es bello. Por otra parte, lo que es desalineado, oscuro, desproporcionado, deforme, no constituido bajo las reglas de los maestros y la tradición, es malo. Entonces esta asociada la buena factura con lo bello y la mala factura con lo que no es bello y por lo tanto no es arte. 

La dura idea de que la estética este ligada con la ética es algo que el siglo XX viene a romper, mientras tanto la academia del siglo XIX legitimaba o no a los artistas en función de cuán cerca del canon de belleza winckelmaniano estaba su obra de arte.

William Adolphe Bouguereau fue de los pintores de la academia junto a Cabanel y Lefebvre, quienes eran los más importantes de su época porque eran exitosos, artistas que como Rubens, a veces, se les tenía que esperar diez años para comprar un cuadro.

Bouguereau - La toilette de Venus,1873

Bouguereau sabía que una excelente excusa para pintar a una mujer desnuda y ser aceptado en la academia era representando a la divinidad, en este caso es a la diosa Venus quien está descripta a la manera de la escultura clásica, es una pintura carnada, como si hubieran agarrado un soplete y la hubieran pintado por encima. No observamos genitalidad, ningún elemento que tenga que ver con la exuberancia, todo es prudencia, contención, línea y estudio muy preciso de la forma.

Si vemos el escorzo del codo a la muñeca pasaríamos de ello, sin embargo, la realidad es que unos pocos maestros en la historia del arte son capaces de representarlo con esa precisión porque es complejo desde el dibujo y desde la estructuración de la forma. Si observamos lo cabal que es la pintura, lo definida que es la linea; cada detalle está completamente descripto. Todo parece estar ordenado por un concepto previo y nos preguntamos si es una mujer real porque pareciera que no, uno no la palpita, hay cierta distancia, una especie de arquetipo en la construcción de ella. 

Esta debajo de un árbol porque está Venus dándose un baño, entonces, nadie la tiene que ver.

Dentro de los motivos de la academia está la mitología clásica, los episodios heroicos romanos y griegos, además, todo lo que es la mitología cristiana y católica.

Bouguereau - Premier deuil, 1888

¿Cuál fue el primer duelo en la historia de la humanidad?¿A quién se le murió alguien por primera vez? A Adan y Eva se les murió Abel, su hijo, asesinado por Caín, el hermano ¿Qué es lo que estamos viendo aquí? A Adán, el hombre, con físico y cuerpo heroico, soldado, deportista y con el color de alguien vivo, sostén de la familia y Eva bajo su brazo casi calcado de la Creación de Adán de la Capilla Sixtina. Los cuerpos son muy miguelangelezcos pero la estructura piramidal es muy rafaeliana, si observamos la escena, vemos a la manera de La Piedad, dándole consuelo a Eva y sosteniendo sus piernas el cuerpo de su hijo. 

El uso del color, es un uso simbólico. Adan tiene una carnación plena pero Eva está casi tan muerta como su hijo y nos encontramos con esta noción de que si muere el hijo, muere la madre, muy estructurada sobre la idea de la construcción de una familia y nos encontramos con una pose muy a la manera del Cristo adyacente en La Piedad de Miguel Ángel.

Si yo pienso en donde está sucediendo esta escena notaremos que lo romántico también atraviesa la academia y para Bouguereau es un recurso más, ¿Qué decimos de lo romántico? que es expresar lo sublime a través de la modificación de la naturaleza por el arte. Si yo pienso en la historia que cuenta de Adan y Eva, ellos fueron expulsados del paraíso  y lo que se representa en la pintura es el paraíso terrenal transformado en un ámbito completamente hostil; pierde lo verde, el paisaje es yermo y contaminado con humo. 

De alguna manera lo que hace el pintor es establecer esas tiras humeantes trazando una relación con lo que son las ciudades del siglo XIX post revolución industrial que son lo más alejado del paraíso conectado con la naturaleza, entonces parece una especie de paisaje fabril aludiendo a las fabricas carboníferas de mediados y finales del siglo XIX. 

La estructura del cuadro es muy a la manera de Rafael y el triángulo es la figura por excelencia del pensamiento aristotélico, por lo tanto es la base del pensamiento académico. 

Todos los recursos que tiene Bouguereau son extremadamente academicistas sin embargo, el cuadro expresa un montón, es capaz de muchísima expresión a pesar de que haya un canon que establezca una especie de orden en la que "deben" ser las cosas. 

Probablemente Premier deuil sea uno de los cuadros más importantes de Bouguereau. 

Hay mucho Bouguereau en America, New York, Boston, Filadelfia y Buenos Aires porque justamente el gusto aristocrático de fines del siglo XIX era academicista-francés y tanto Buenos Aires como ciertos lugares de Estados Unidos tenían mucho gusto por lo francés entonces era muy común que las familias notables y aristocráticas viajaran a Francia, vieran el último salón donde se encontraba la competencia de la academia todos los años en otoño y primavera, vieran a los artistas del momento que competían por un primer premio donde no solo aquello era lo importante, sino que estar exhibido era una posibilidad de venta porque el gusto estaba establecido y lo manejaba la academia. Miraban lo que había para comprar y se lo llevaban. Muchas de esas obras viajaron con las familias europeas establecidas en America debido a este gusto por afrancesarse. Si vemos los primeros diez minutos de La edad de la inocencia de Martín Scorsese, nos daremos cuenta de que hay una escena en donde la anfitriona de la fiesta recorre una escalera de caracol, todos los cuadros colgados son de Bouguereau porque tener un Bouguereau, un Lefebvre, un Alma-Tadema era signo de estatus, de buen gusto porque estaba bastante establecido. De hecho, Bouguereau fue director de la academia y fue él mismo quien escribió en puño y letra que Matisse no debía entrar ni muerto a la academia. 

Bibliografía

1. Museo Nacional de Bellas Artes, Premier Deuil - William Bouguereau, accedido el 5 de marzo de 2025, https://www.bellasartes.gob.ar/en/collection/work/2770/.

2. Wikipedia Francia, “Premier Deuil (Bouguereau),” última modificación el 2024, accedido el 5 de marzo de 2025, https://fr.wikipedia.org/wiki/Premier_Deuil.